Geometrie di Viaggio
di Daniele Cleis

dal 15 aprile 2011 al 6 giugno 2011

Vernice

venerdì 15 aprile 2011 alle ore 18.30

Presentazione
Come se fosse musica
Graziano Martignoni

"La natura dell’arte é di mettersi in pericolo", scrive Anselm Kiefer, uno dei più celebri artisti contemporanei. Potrebbe sembrare strano e persino irriverente citare un artista così lontano dal lavoro creativo di Daniele Cleis. Eppure quella frase ci aiuta a svelare provocatoriamente proprio l`anima segreta e celata delle opere di questa esposizione primaverile. Un’opera per un verso rigorosa e precisa, come se fosse alla ricerca di un ordine geometrico del mondo tra bianchi e neri, tra pieni e vuoti, per un altro divampante di irrequiete forme e colori. Dietro le vigilate forme, che sembrano voler rinchiudere i paesaggi del suo viaggiare nelle terre di mare, dall’Andalusia, alla Provenza ad Istambul, dalla Bretagna alle Cinque Terre sino a luoghi che non hanno luogo se non nell’immaginario, dentro alle sue geometrie, subito sconfitte dalle vibrazioni del sogno e ancor dietro il tratto della sua mano, che esprime l’impossibile ritrarsi dalla caoticità generativa della vita, abita il segno di un pericolo. Il segno ineludibile di un improvviso smottamento, che non si risolve qui in impaurita desolazione, ma in una tensione di movimento verso un altrove, un "Lontano" , come nel quadro che fa da copertina, in cui quelle geometrie, oramai conquistate dal sogno, si disperdono in spiracoli di fuga, che trascinano in una diafana luce mediterranea, come sospinte da un onda, l`attento sguardo. Spazio e movimento sono infatti le cifre esistenziali dell’opera di Cleis, sia per la parte xilografica che per quella pittorica. Un opera che racconta il viaggiare, il trasformarsi anzi il trasfigurarsi delle geografie di mare e di terra in fluidi paesaggi dell’anima. Un viaggiare verso un arrière-pays che fa scorgere una lontananza, a volte fuori dalla tela, altre nel cuore stesso dell’opera. Una lontananza, che ci spinge emozionalmente fuori, come se ci si trovasse di fronte ad un vortice in cui sprofondare e nello stesso tempo ad un`apertura, una sorta di porticina verso cui volare via come l’acqua che tracima silenziosamente, quasi inavvertitamente dal suo contenitore. Opera d’esattezza certamente, quella di Cleis, ma sempre fluttuosamente sospinta verso la sua terra promessa. Qui sta la sua messa in pericolo, che è il pericolo ineludibile della passione solo apparentemente custodita nel gesto creativo. Ciò che rende fondamentalmente dinamica la sua opera é proprio il suo muoversi, il suo faticoso farsi spazio , come fosse guidata da una forza interiore, che la rende trepidante e spirituale. Continua è infatti in essa l’oscillazione, - come in Concentrazione del 1999 - tra la ricerca di un centro e l’esplorazione dei bordi della vita che qui sembra rigenerarsi, come in Vortice primaverile 2 del 1999. Il pericolo non sta nella catastrofe, ma proprio in quel rigenerarsi incessante, che è il ribellarsi della vita alla tentazione della troppa quiete, nella continua necessità di esporsi all’attesa e all’accadere del mistero. Vi è così un segreto in queste sue tele, tra un gesto che sembra trattenere e imprigionare il reale e l’irrompere improvviso dell’inarrestabile, dell’incontrollabile. Non è però opera gemente ma gioiosa, come il grido, più che il sussurro, di una primavera che si nasconde anche nell’affanno. Tra queste sue tele soffia il vento, che l’artista da navigante conosce bene. Un vento che tutto ricompone e poi di nuovo scompiglia. Un vento che è il compagno di ogni viaggiare della mente e del mare, nello spazio tra mare e terra da cui prendono origine molte sue opere. Ma tutto ciò, come ad esempio in Andalusia 3 del 2004 o in Continuazione del 1982, è musica, diviene musica, come se nel guardare le opere di Cleis ci si trovasse improvvisamente di fronte ad una sorta di spartito musicale. Una musica che ricompone, come fosse un tessitore di fronte al suo telaio, i frammenti delle nostre emozioni, che hanno colto sulla tela la sorpresa di un altrove annunciato, per riappacificarci con il soffio amoroso della speranza.

Presentazione
Sospesa ogni tensione conoscitiva per categorie della logica, si propone il mondo del simbolo, con i suoi modi d’espressione propri per analogia, ove il tutto si ricompone in un cogliere per parti.
D’obbligo è l’abbandonarsi all’ascolto di un linguaggio altro, in quel sapiente accedere all’espressione metaforica, in un cogliere quel dir di sé, dei moti interiori, delle profonde emozioni in modi blandi propri del sentire dell’artista.
Per segni, vorrei dire per simboli, in un parlar per metafora, talvolta anche per archetipi incontro Loredana.
Mi par di udire la sua voce in un dir per spirali, in un intrecciar di esili segni. Però sicuri. Posati sulla tela, quasi accarezzati, in un delicato atto di contemplazione del gesto, nel suo portar fuori la pienezza di un vissuto profondo e sofferto.
Colgo, in altri momenti, un animo che sente di dover dire con forza delle potenti vibrazioni di cui è investito. Vedo allora il suo gesto che si fa energico e forte.
Loredana racconta del travaglio suo nel vivere eventi di vita personali.
Sento in lei un peculiare modo di appropriarsi del segno in uno svolgersi e riavvolgersi di pensieri.
In un andar per spirali. Raramente linee chiuse. Un raccontar, il suo, talvolta colorato, talvolta meno.
Loredana dice di cose comuni, in un parlar della vita, della morte, dei legami che si fanno e si rifanno. Di intrecci che si rompono e che si rinnovano. Dice del suo vibrare al cospetto dei piccoli e grandi temi del quotidiano fare. Parla di quei sublimi momenti che segnano gli incontri.
Si propone, Loredana, con un dir al femminile in un sentir di donna; prima ancora di madre. Un parlar di donna e di madre, ancor anche un suo percepir come figlia, in un armonioso suo innestar sereno di interiori vicende sul solido tralcio di una sua originale ricerca. Un sentire profondo, mosso da un interiore mondo possente.
Mondo critico, a volte severo, che domina lo spirito enigmatico astratto e ribelle. Ribelle a modo suo. Ribelle nell’inseguir se stessa che scivola nel sublime, nell’esaltante, nell’immaginario, nell’irraggiungibile, cercando l’invisibile per disporne e farne fermo immagine, per afferrarne le forme, farle erompere e tradurle, trasformarle. Incontrarle sul far dell’Arte.
Forte e ricorrente appare, come detto, il segno della spirale. D’altra parte, come esplorare il mondo delle emozioni, in un andar per simboli e metafore, se non proponendo l’elemento acqua?
Acqua come liquido, in un richiamar quasi la fluidità del Pensiero.
Acqua che si avvolge su se stessa ed è di nuovo spirale. Acqua morbida e dolce ed è lago. Acqua che tutto avvolge, ed è sentimento. Acqua come emozione ed è Incontro.
Ancor è Donna, in un attrarre centripeto della forza vitale nell’ancorar la vita sulla Madre Terra. Ancor è spirale, come è per Spirale il procedere del moto delle Galassie. Come é la spirale a segnare l’impronta della mano dell’uomo che scambia nell’incontrare l’altro uomo.
Da un centro verso una periferia. Sempre inesorabilmente legati al centro. Di nuovo è legame.
In un procedere a spirale il viandante in Terra lascia il punto di partenza, in un’ascesi di spirito e di mente, in un progressivo sciogliere di legami, supera i limiti propri ed alla fine del suo percorso, ritorna al cielo.
In un darsi e ridarsi di vita, è l’Incontro col grande Mistero. Un continuo dialogare.

Michele Giovanettina

Pinguin Attimi

di Vincent Gregory

dal 15 ottobre 2010 a fine gennaio 2011 

Vernice venerdì 15 ottobre 2010 alle ore 18.30

Presentazione
"...Vincent Gregory, senza sosta, si è occupato di disegno nella sua vita. Una indagine sul segno- lineareche, una volta tracciato, raggiunge una sua forma compiuta.
Tracciati che iniziano il loro viaggio tra flusso continuo e intervalli, linee rette e curve a volte spezzate dal distacco della punta segnante che si districa nel raccontarsi e raccontare la presenza di più soggetti.
La riflessione è particolare, tocca il tempo e la ripetitività ed è vincolata dal gruppo; sono pinguini che, rivestiti umanamente, animano questi lavori.
L'operazione di Vincent, grafico-artista, inizia dai suoi cartoni bianchi ma prosegue anche su tele preparate a gesso e caseina, dove un segno-scrittura si allarga a macchia d’olio, abbracciando i vari formati.
Su supporti spesso quadrati traccia strutture, motivato dal tema dei pinguini, individua la contraddizione del movimento della società di massa.
Queste umane-cellule dalle sembianze di pennuti, in alcune opere di questa esposizione si ritrovano appena, rapportandosi al colore sembrano perdere profili, confondere i confini.
Se il primo periodo dell’ artista era in bianco e nero e i motivi venivano replicati con estremo controllo, ora il suo operare prende distanza dai primi cartoni: cerca e assume una sospensione.
Lo stesso tempo di esecuzione tocca più fasi, dove il primo stadio viene sopraffatto dalla ricerca più travagliata di un atmosfera emoziona e.
In questo ultimo ciclo di lavoro Vincent sembra viva il colore come luogo dell'anima e moto della suggestione. Gli attimi grafici sembrano perdersi in atmosfere pittoriche, la tinta diviene attimo,
atto tra sensibilità intima e realtà fugace e genera sul lavoro un contrappunto linguistico e formale... "
(estratto dal testo di Loredana Müller Donadini, 2010)

Vincent Gregory nasce a Stresa nel 1960, attualmente vive e lavora a Bellinzona, lo studio si trova in Via Prato Carasso. Ha esposto in Svizzera e all'estero ed ha soggiornato in Messico per un periodo di ricerca.

Sergio Emery

dal 18 giugno a fine settembre 2010

Vernice venerdì 18 giugno 2010 alle ore 18.30

Presentazione

Simona Ostinelli
 

Dal 18 giugno a fine settembre la Casa Comunale di Bioggio  ha ospitato una retrospettiva dedicata a Sergio Emery (1928-2003). La mostra, organizzata dal Municipio di Bioggio e curata da Ferruccio Frigerio, è l’occasione per ammirare per la prima volta un nucleo di trenta dipinti e carte pressoché inediti dell’artista ticinese. I Cactus di Emery sono opere di straordinario interesse e coprono circa un ventennio della sua attività, dal 1982 –anno in cui si vedono per la prima volta alla Galleria Immagine di Mendrisio- fino al 2003, anno della scomparsa del pittore. I Cactus vengono al culmine di un lungo lavoro che ha visto Sergio Emery indagare il rapporto fra uomo e natura. L’impegno ecologico dell’artista aveva infatti preso forma negli anni Settanta con la serie delle Protesi, tentativo di ristabilire il legame interrotto fra uomo e natura, ed era continuato in quella delle Serre, luoghi simbolici eretti a protezione degli spazi verdi. Nel 1997 un viaggio nelle Puglie con la moglie Giuliana darà nuovo impulso alla ricerca, tanto che il tema dei Cactus verrà ripreso con maggior vigore.

Simboli di resistenza alla vita, i cactus di Emery occupano quasi per intero la superficie del dipinto. Il pittore non abbandona mai lo spunto naturalistico: a volte i vegetali assumono la forma di un fungo atomico, altre di una mazza ferrata, o di una massa organica venata di sangue. Aggressivi sì, ma anche dolcissimi, quando ricordano un cuore palpitante o un profilo di bambino. Contornate da un profilo nero, queste presenze non hanno uno sfondo che le sostiene e sembrano emergere dal nulla. La pennellata è sciolta ed energetica, la materia a volte ricca, altre quasi liquida.

In occasione dell’esposizione viene pubblicato un catalogo con un contributo di Simona Ostinelli e una poesia di Elvis v.d. Meyden

Pierluigi Poretti 

marzo 2010

"Due anime" di Gabi Fluck

 dal 17 novembre 2011

Vernice

giovedì 17 novembre 2011 alle ore 18.30

Presentazione

di Pepita Vera Consorti

L’esposizione gode del sostegno delle Banche Raiffeisen di Bioggio, Cademario e Agno,  delle AIL SA - Aziende industriali di Lugano e della Tenuta Bally & Von Teufenstein